El Aprendiz de Artista. Guía de iniciación

Algunas de estas técnicas son algo grasas y al incidir sobre el papel con ellas es difícil borrar después (sobre todo el conté y las ceras), por eso es mejor empezar el dibujo a carboncillo y rematar las partes más fuertes a conté, por ejemplo. Existen unas gomas especiales, de color gris y blanditas como chicle que son las más adecuadas para estos menesteres, no usar gomas ordinarias. Recomiendo también papeles especiales para dibujo o esbozo, nunca folios normales y corrientes.

Otras herramientas como un pincel, un difuminador, o simplemente un pañuelo moquero sirven para extender y difuminar de modo uniforme superficies de una sola tonalidad o envolver y crear atmósfera en el dibujo. Un trozo de fieltro o una esponjilla de baño se presentan también como buenas herramientas para difuminar. Como ya os dije antes, imaginación al poder.

Pero a lo mejor os apetece usar alguna técnica húmeda... las tintas de colores aplicadas con pincel o brocha ofrecen resultados espectaculares. La acuarela también es una buena técnica de iniciación y muy agradecida con un poco de esfuerzo. Y si te apetece un color más “materia” pues puedes usar guache o témperas.
Para estas técnicas no recomiendo papeles de gramaje inferior a los 200 gramos, y conviene que sea adecuado para soportar aguadas.

Para aplicar las técnicas húmedas se necesitan pinceles de diferentes grosores, brochas o rodillos pequeños. Estas técnicas exigen paciencia a causa del secado de la tinta, que llevará espacios de tiempo más o menos largos. No obstante los resultados que se obtienen merecen la pena, que duda cabe.

Las técnicas húmedas ofrecen resultados más expresivos y espectaculares, mientras que las técnicas secas nos permiten ser más rigurosos y detallados.
En general técnicas húmedas y secas se pueden mezclar sin problemas, de hecho en cierto modo se complementan. No hay que ser tímido a la hora de incorporar elementos, improvisar un brochazo espontaneo puede dar gran viveza y frescura a la obra, y librarla de su rigidez. Para pintar hay que ser suelto, valiente e intuitivo. Y sobre todo experimentar, experimentar y experimentar.

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6 EL TAMAÑO SÍ QUE IMPORTA
Es más sencillo manejarse con las pequeñas superficies que con las grandes, nuestra capacidad de síntesis y encaje se pierde más fácilmente si el soporte total no puede ser abarcado con nuestro campo de visión al completo según lo estamos trabajando.

La pintura se presta mejor para las grandes superficies. Llegados a este punto hay que decir que la pintura y el dibujo son una misma cosa, aunque se hace esta separación convencional para entendernos, pero lo que es aplicable para lo uno también lo es para lo otro. La diferencia básica es que en pintura emplea otros soportes (madera o lienzo principalmente), tiene un carácter más “matérico” y suele ser trabajada a partir de manchas de color.
Por supuesto esto no son reglas fijas, habrá cuadros que no cumplan ninguna de estas reglas pero vale de momento para entendernos.
Yo no recomiendo a nadie que se pase a la pintura sin antes saber un mínimo de dibujo. El dibujo es la base de todo lo demás.

Para los que ya tengan nociones de dibujo, recomiendo la pintura al óleo para empezar. Varios tubos grandes de colores, pinceles, trapos, espátulas, brochas y paleta de mezcla. Aguarrás como disolvente y aceite de linaza como aglutinante.
Botes de pintura en spray, masilla de ventanas, pegamentos varios, un soplete, o cualquier herramienta que se nos pase por la cabeza para incidir sobre el soporte... el límite es nuestra imaginación, son muchas las posibilidades que nos ofrece la pintura en ese sentido.

Como soporte para empezar recomiendo siempre la madera: es más sólida, te permite ser más “contundente” en tus gestos y es más cómoda de montar y preparar en comparación con el lienzo y el bastidor. Hay una madera muy buena y económica que se llama “DM”, o en su defecto el “tablex” dan buenos resultados. Como desventaja tiene el peso y la incomodidad de transportarla cuando es de gran formato, no obstante la recomiendo.
El lienzo tiene varias ventajas: absorbe mejor la pintura y de este modo los tiempos de secado de una capa a otra se reducen, y los resultados de como afecta la pintura de una superficie a otra son muy diferentes. Sin embargo el lienzo sobre bastidor es algo engorroso de ser colocado, y corres el riesgo de que se queden marcadas las tablas del bastidor si aprietas demasiado la superficie al pintar, y eso queda muy mal. Además de que es bastante más caro, por no hablar de los lienzos ya montados e imprimados, que realmente ya su precio es elevado respecto a una tabla de madera.

Para pintar primero hay que imprimar (no es obligatorio pero sí aconsejable) esto es, dar una capa de material que proteja el soporte de la pintura y que así dure más. Hay muchos tipos de imprimaciones pero para no complicarse la vida voy a explicar dos muy sencillas: la de pintura plástica y la de ajo.
Aplicando una capa de pintura plástica blanca sobre el soporte tendremos una imprimación resultona y rápida en secado (un fondo blanco viene bien para conseguir efectos lumínicos). La de ajo da muy buen resultado y es muy sencilla: basta con frotar dientes de ajo sobre la superficie.

Podemos dejar y retomar un cuadro cuantas veces queramos, o cambiar el planteamiento creativo durante la marcha según nos parezca. La pintura puede llegar a tener una fuerza arrolladora si sabemos aprovechar sin miedo los recursos que nos ofrece.

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7 TÉCNICAS INFOGRÁFICAS
Por suerte hoy en día contamos con la herramienta más útil para el diseño y la ilustración: el ordenador.
No hay que cortarse de usarlo, el ordenador es una herramienta perfectamente útil y válida con la que colaborar en el proceso creativo. La infografía es un buen complemento para las artes de representación plástica, y no tiene menos mérito que cualquiera de ellas. Programas de diseño como Photoshop facilitan el proceso creativo.

No soy partidario sin embargo de usar filtros o “truquitos” de retoque de programa que todo lo convierten en bonito, aplicados sin ningún fundamento. El proceso creativo no se debe dejar en manos de la suerte o de procesos mecánicos a ver lo que sale. Como en todo, hay que emplearlo con moderación, honestidad y afán de aprender.

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8 ACTITUD ANTE EL PROCESO CREATIVO
Ante todo y sobre todo en nuestra creación ha de estar la intención y el deseo de descubrir. Yo no creo en el arte como una demostración o alarde de las propias obsesiones y neurosis, o como el afán de impresionar al personal, o como una exhibición o exaltación del ego. El mejor arte es el que es sincero y honesto, el que parte de una intención positiva.
Tampoco es mejor arte el que se vende más, o el que gana concursos, o el que nos parezca más currado a primera vista. Da igual lo que digan los críticos, eso no ha de interesarnos. Se trata de un descubrimiento interior propio.

No hay que tener miedo a dejar entrever el proceso de obra, no importa que queden chorretones o pinceladas o trazos fuera de sitio. Corrige, rectifica, mancha, pega, distorsiona y rompe todo cuanto te parezca. La obra ha de ser calculada pero espontanea a un mismo tiempo: calculada en nuestro propósito y planteamiento, y espontanea en su ejecución. Hay que poner de uno mismo, cuanto pintas o dibujas estás plasmando tu mundo, el mundo según tus ojos. Tu obra es tuya y tú eres el mejor para apreciarla en su justa medida.