Sunshine

Ciencia ficción de la buena

Danny Boyle, el cine británico y la ciencia ficción del XXI

Antes de empezar con el análisis de la última obra de Danny Boyle, la recién estrenada “Sunshine”, resulta interesante realizar una reflexión que nos encuadre a esta película dentro del panorama cinematográfico actual y en la propia producción de su país de origen. Nacido el 20 de Octubre de 1956 en la ciudad de Manchester, las palabras que mejor definen la carrera cinematográfica del cineasta son convulsa, arriesgada, ecléctica y experimental. Obsesionado desde siempre por la exploración de nuevos recursos narrativos (emparejado en esto con otros francotiradores de la imagen como David Lynch, Francis Ford Coppola, Stanley Kubrick y, sobre todo, Darren Aronofsky, con el que comparte no pocas similitudes) con los que narrar de manera novedosa sus historias, pero también preocupado por conseguir siempre la profundidad de sus personajes independientemente del género que se encuentre. Amigo de la combinación de tonos en sus películas (drama, comedia, acción y terror, pueden estallar en una película de Danny Boyle sin que el conjunto se resienta de falta de cohesión) y de la reinvención y reconstrucción de géneros clásicos consolidados (terror en “28 días después”, ciencia ficción en “Sunshine”), ha conseguido así mismo mantener una brillante carrera comercial, agrandada aún más por el bajo coste de sus películas (recordemos que “Trainspotting” costó unos escasos 5 millones de dólares y, la ya mencionada “28 días después” no sobrepasó los 8, a pesar de su espectacularidad, posible gracias a la inteligencia de Danny Boyle en la puesta en escena y el montaje), sin perder por ello la libertad de autor y el riesgo en sus propuestas. Valorado así mismo notablemente por la crítica (salvo en la muy infravalorada “La playa”, película muy irregular pero de gran interés), sus películas son esperadas con expectación, más aún en un cine europeo carente de talentos que trabajen dentro de los límites de sus fronteras, tentados a asumir los riesgos del traslado a la meca del cine por el mayor presupuesto y sueldo ofrecidos, aunque, en ocasiones, esta decisión provoque la pérdida de identidad en el artista, al tener que someter su libertad artística a los códigos industriales americanos, mucho más inflexibles que los europeos a la hora del fracaso comercial y poco dados a las segundas oportunidades.


Por todo ello el caso de este director es único en su país, pues es el último gran talento imaginativo que no ha cruzado definitivamente el charco (aunque sí lo hiciera en “La playa”, curiosamente, su película menos exitosa y conseguida). Como único defecto achacable (sí es que uno puede achacarle algo a los genios) es una irregularidad en el guión de sus películas, que provoca que se produzcan saltos en la calidad de las mismas (algo sobre todo presente en su incursión americana, pero de alguna manera congénito a todas sus obras, “Sunshine” aún siendo su mayor obra maestra, tampoco se libra de esto). Gran Bretaña ha demostrado ser en estos años, la gran cuna europea del cine en cuanto a realizadores jóvenes de calidad se refiere, de entre todos ellos destacan tres nombres, con carreras artísticas de muy distinto signo pero con el denominador común de la calidad, Christopher Nolan, Neil Marshall y Brad Anderson. El primero es el director de más solera por debajo de la barrera de los cuarenta años y el que más talento posee (junto al as neoyorquino, aunque más incomprendido por el público y la industria, Darren Aronofsky), ha conseguido establecer una carrera de éxito absoluto en lo comercial y lo artístico, merced a una combinación alquímica entre cine intelectual y espectáculo de masas (su posición dentro del sistema americano está tan asentada, que es uno de los pocos directores que se pueden permitir el lujo de tener la última palabra sobre el montaje final y de fijar a placer el presupuesto de sus películas). El segundo, Neil Marshall, es un narrador en el sentido más clásico de la palabra. Afincado en el género del terror, sus dos obras hasta el momento “Dog Soldiers” y “The Descent”, revelan una cuidada atención a la interpretación de los actores, la solidez argumental y la habilidad con la cámara pero sin dejarse llevar por meras florituras, a pesar de su evidente virtuosismo.


El último y más alienígena de los tres, Brad Anderson es el que más alejado se encuentra de los canales comerciales y subsiste a base de realizar sus producciones a bajos costes y para compañías de segunda línea internacional (en su próxima película “Transiberian”, repetirá con la productora catalana Filmax) pero a la cabeza en la promoción de nuevos talentos a los que atraen con el compromiso de ofrecerles la libertad creativa, sin restricciones de ningún tipo. Así sus dos películas “Session 9” y, sobre todo, “El maquinista” resultan interesantes digresiones sobre el laberinto filosófico de personajes desquiciados por el concepto de la culpa (genial apunte en “El maquinista” a la obra del artista por excelencia de esta emoción humana Fiodor Dostoyevsky, su protagonista, un inmenso Christian Bale como es habitual, lee cada noche “El idiota” del portentoso literato ruso). El conocimiento del trabajo de estos jóvenes directores, todos posteriores en edad a Danny Boyle, ayuda a entender que la personalidad del cineasta de “Trainspotting” no es un caso aislado en su país, si no que existen más directores preocupados por la experimentación del lenguaje cinematográfico, el retrato psicológico de sus personajes y el sentido del espectáculo de masas que llena las arcas de la taquilla. Por último un par de comentarios acerca del estado del género de la ciencia ficción en este siglo XXI. Tal vez el punto de inflexión sucede en el final de la década de los noventa, cuando dos títulos de felices resultados en taquilla (ambos tuvieron una excelente recaudación, aunque se crea lo contrario en uno de los casos, pero uno fue visto como un éxito y otro como un fracaso) revolucionaron un panorama poco alentador para las visiones del futuro (sólo “Gattaca” de Andrew Niccol se recuerda como obra maestra de los noventa en el cine digamos “convencional”, en la animación japonesa sí nos encontramos con películas de interés, sobre todo la precursora de “Matrix”, “Ghost in the Shell” de Mamoru Oshii), estas dos películas fueron “A.I.” de Steven Spielberg y “The Matrix” de Andy y Larry Wachowsky.


La primera supuso la culminación del maestro por antonomasia del cine, en el género que más y mejor ha tratado (si es que se puede decir eso de Spielberg que ha sentado cátedra en cada género que ha explorado y ha explorado mucho), con una obra maestra incomprendida pero con visos de hacerse intemporal con el paso del tiempo, la segunda fue una habilidosa coctelera de ideas recicladas (ideas que se agotarían fugazmente en sus dos secuelas) de la narrativa ciber-punk, la estética manga para la estilización de la violencia, la mezcla de discursos pseudos-filosóficos (tomados de fuentes muy variadas, que incluyen conceptos budistas, cristianos, existencialistas...) y un sentido narrativo y del espectáculo que no se recordaba desde la trilogía original de "Star Wars" o las inigualables "Indiana Jones" de Steven Spielberg. La entrada en vigor del nuevo siglo, dinamizó, a raíz de estas dos propuestas, el renacimiento del género mediante múltiples y diversas miradas sobre el mismo que cristalizarían en un puñado de obras fundamentales del género como lo son: "Minority Report", "A Scanner Darkly", "Children of Men" (la mejor para quién esto opina de esta nueva ornada junto con “Sunshine”), "Ghost in the Shell 2: Lamment of innocence" (simplemente extrordinaria), "Código 46" o la última en conocer estreno, la que nos ocupa "Sunshine", de la que, a continuación, analizaremos en detalle todos los aspectos que la componen (guión, puesta en escena, fotografía, diseño artístico, banda sonora e interpretaciones), para dar después una valoración final y un resumen de sus características más fundamentales. Comenzamos.

Reino Unido

Danny Boyle

Argumento serio y maduro. Apartado visual revolucionario. Interpretaciones sobrias y realistas.

Una decisión argumental hacia el final del metraje, que hace que se resienta el conjunto de la obra.

Obra cumbre del género de ciencia ficción.