Promesas del Este: El nuevo Cronemberg

La identidad moral. El “nuevo” Cronemberg.

Una prostituta susurrando una canción que contiene su infancia, tras ser sodomizada en un juego de hombría; una enfermera que ha perdido un hijo y que ha encontrado una hija; un padre que es un monstruo y un hijo que es... el hijo de un monstruo; un hombre honesto obligado a vivir en la mentira; una víctima, un verdugo, una absolución y una duda. “Promesas del Este”, el último David Cronemberg.

En ésta nueva etapa de su carrera cinematográfica, Cronemberg parece haber abandonado la ambientación que incluía elementos fantásticos en la trama y se ha embarcado en un realismo que le sirve como marco para profundizar en su gran dilema de siempre: la identidad del individuo, a la que le ha dedicado la práctica totalidad de su producción, diseccionándola desde múltiples perspectivas. En el pasado fue con la metáfora de la corrupción del cuerpo (“La mosca”) y, sobre todo, de la carne, o con su simbiosis con elementos artificiales que se introducían en lo orgánico (“Videodrome”, “Exitenz”), pero siempre con la obsesión por tambalear la condición psicológica de los individuos. O fue así, hasta ahora.


A Cronemberg parece interesarle más, en “Promesas del Este”, la mirada transparente sobre la forma de actuar de sus personajes, que ya no dudan de su identidad como individuos. Sólo se ven sometidos a la necesidad de decidir y de mantenerse fieles a sus principios, sean estos benignos (el caso del personaje de Viggo Mortensen y Naomi Watts) o perversos (Semyon, el gangster encarnado por Armin Mueller-Stalh, veterano secundario al que pudimos ver en películas como, “El tercer milagro” o “Misión a Marte y que da una gran lección interpretativa, aunque sin llevarse la palma, que esa es para la inmensa actuación de Viggo Mortensen, de la que hablaremos a continuación). Pero ésta nueva posición de los personajes cronembergnianos no les asegura la victoria final, la alegría, por el hecho de mantenerse fieles a sus códigos personales. Bien sea el psicópata encarnado por Ralph Phiennes en Spider, bien sea Tom Stall, o Nikolai (verbigracia de Viggo Mortensen), el hecho de que estos personajes se mantengan finalmente firmes a sus convicciones morales (con tambaleos que no se dan, y éste es un punto a tener muy en cuenta, en Nikolai y sí en los anteriores) no les asegura, ni mucho menos, la panacea ante las decisiones que se verán obligados a abordar. Decisiones que no debemos desvelar para no romper el hechizo que establece ésta obra con aquel que la contempla.


Así que, eliminados los aspectos de desgrane de la trama ¿qué nos queda?, centrarnos en los aspectos artísticos y técnicos que vertebran ésta obra maestra, empezando por su director David Cronemberg y por la depuración y desnudez a la que ha sometido a su estilo. Depuración y desnudez porque Cronemberg ha prescindido de todo artificio fatuo y ególatra a la hora de elaborar sus historias, optando en ésta ocasión por los planos secuencia y los encuadres de concepción milimétrica, siempre con sentido narrativo. Trata así de acercarse a los personajes desde un punto de vista onminisciente (a diferencia de lo visto en "Una historia de violencia", película en la cual, excluido su arranque, todas las escenas se narran desde el punto de vista de uno de los miembros de la familia, fundamentalmente, desde el de Tom Stall, por motivos obvios), abarcando con su multiperspectivismo a todos los personajes que se verán afectados por las consecuencias derivadas de las experiencias recogidas en un diario, escrito por una madre adolescente fallecida durante el alumbramiento de su hija.


La primera escena ya resulta canónica de esta desnudez formal, espartana, en el modo de narrar que ha escogido Cronemberg para contarnos Promesas del Este. Una calle se pierde de vista desde un plano situado a unos tres metros sobre el suelo, con su punto de fuga disparado hacia la derecha. En primer plano y a la izquierda vemos el nombre de una barbería. Cuando una figura comienza a aproximarse por el horizonte del encuadre, la cámara desciende a su altura y persigue su movimiento. Con esto Cronemberg nos cuenta que en su película, el movimiento lo marcarán los personajes, no la mano de titiritero con la que su director juegue a manipularnos. Es una declaración de principios con el espectador, un pacto tácito entre ambos de enfocar el interés a lo narrado, no de recrearse en la forma en la que se narra (aunque esta sea extraordinaria). Por destacable por encima de las demás en éste apartado, la tan traída y llevada escena de los baños (con un Viggo Mortensen completamente desnudo, con sus genitales visibles en una muestra más de la valentía de Cronemberg al quebrantar uno de los tabús eternos del desnudo hollywoodiense masculino, sin recrearse en ello pero sin ocultarlo, como debe ser). Un ejercicio de disección de la violencia ausente de música, resuelto en un único plano secuencia y casi insoportable en su brutalidad y realismo, aunque sin ningún regodeo en la truculencia del combate. Extraordinaria, simplemente extraordinaria.


De las interpretaciones decir que son todas excelentes, pero que la de su protagonista, Viggo Mortensen, raya el nivel de las grandes encarnaciones de todos los tiempos y lo hace a través de la contención, aplicando la generosidad impuesta por el director con la historia contada. Nikolai, un personaje con una moralidad diáfana que “nada entre la mierda” y asume su olor y su mancha con dignidad, encuentra el reflejo en Mortensen, su realidad tangible, sentimos que vive más allá de la pantalla. Cuando ha terminado la película, no nos sorprendería encontrarlo en la butaca contigua, sonriendo. Es una interpretación basada en la mirada, que huye del histrionismo y que consigue reflejar la complejidad de una vida, de todo lo que sus largos días conllevan para moldear una persona adulta consciente de sus convicciones. Chapeu, señor Mortensen, chapeau.


Y, por último, una mención de honor a su perenne colaborador musical y amigo desde la adolescencia, Howard Shore, el compositor con más talento de su generación que nos presenta una partitura intimista, infinitamente triste y de un solo tema, como le suele gustar a Cronemberg, que reaparece sólo en momentos muy marcados del desarrollo argumental. Excelente, como todo lo que configura esta obra maestra.

Y poco más que añadir, salvo la recomendación ferviente de dejarse atrapar por la que bien puede ser la mejor película del 2007, y no es decir poco.